La Condesa de Chinchón

Este oleo sobre lienzo fue realizado por Goya en su etapa de madurez pictórica en 1800.A esta etapa también pertenecen retratos como La Duquesa de Alba,Jovellanos,La familia de Carlos IV, o sus Majas.La Duquesa estaba embarazada de su primera hija con Godoy,Carlota.Las espigas de trigo verde que lleva la Duquesa en el pelo hacen referencia a la fecundidad.La belleza del cuadro reside en la sensacion de ternura.
Goya consigue hacernos participes del afecto que siente hacia la condesa gracias a la plasmación de sus gestos tímidos e infantiles.La luz es una luz típica de Goya que resalta el vientre como eje de la composición.El vestido da sensacion de transparencia y de que hay como un vestido que envuelve a otro.

Los fusilamientos de la Moncloa

En 1814 ya finalizada la guerra de la independencia Goya por encargo de la regencia pinta este lienzo.Goya nos presenta lo ocurrido el dia anterior el 2 de Mayo de 1808 cuando los madrileños se sublevan contra las tropas francesas que ocupavan la capital,en los fusilamientos del 3 de mayo de 1808 vemos las consecuencias de aquella feroz resistencia.Goya compone la escena por grupos,por un lado los ejecutados ofreciendo su cara al espectador y al grupo de los verdugos,los que van a ser fusilados tienen rostros vulgares y atemorizados.Cada uno tiene una postura diferente segun sea su actitud ante la muerte,hay uno que se tapa el rostro porque no puede soportarlo o el que abre los brazos sin miedo esperando a las balas que le produciran la muerte,este personaje es muy dramatico ya que mira directamente a los soldados y su camisa blanca atrae el foco de luz de la lampara que se situa a su lado como una llamada de atencion a la muerte que se acerca.Al lado de los que van a ser fusilados estan los cadaveres de los que ya han sido fusilados y al otro lado se encuentran los que aguardan para ser fusilados.El otro grupo paralelo al anterior esta formado por los soldados franceses que van a ejecutar a los patriotas,los soldados están de espaldas al espectador sin mostrar sus rostros ya que eso no importa porque se reprentan como soldados ejecutando una orden como maquinas de matar.Los personajes se encuentran en un exterior nocturno en la montaña de principe Pio.Las pinceladas de Goya en este cuadro son pinceladas sueltas independientes del dibujo,lo que facilita la creacion de una atmósfera tétrica atraves de las luces y los colores.Los rotras estan llenos de expresividad anticipándose Goya al impresionismo que surgira en el siglo xx.

LA FAMILIA DE CARLOS IV

La familia de Carlos IV es un retrato colectivo pintado en 1800 por Goya.Ya un año antes de pintar este cuadro había obtenido en máximo cargo que un pintor español podía alcanzar(pintor de cámara al servicio del rey).Este cuadro pertenece a la segunda etapa del pintor.Goya forma el espacio pictórico mediante la colocación de los personajes en l cuadro y la composición la forma mediante la colocación de los personajes en forma de friso,pero separados por grupos.En el centro de la composición se sitúa Doña María Luisa de Parma demostrando que era el eje de la familia y del poder a su lado los hijos menores(a su izquierda-Don Francisco de Paula y a su derecha-Doña María Isabel).El grupo de la izquierda esta presidido por el príncipe de Asturias(futuro Fernando VII)tras el esta Don Carlos María Isidro(fundador del Carlismo,con el que quería apoderarse del poder de la corona)y la futura princesa de Asturias,no se le ve el rostro por desconocer quien seria,Doña Maria Josefa (hermana del rey) y Goya pintando un lienzo (influencia de las mininas de Velazquez)forman este grupo.En el grupo de la derecha el personaje principal es el rey Carlos IV, a su lado la infanta Doña María Luisa con su hijo en brazos,junto a su esposo Don Luis (príncipe de Parma)tras el se observa el rostro de otra infanta Doña Juaquina,a continuación el hermano del rey ,Don Antonio Pascual.La composición se cierra con un fondo de salón con dos grandes cuadros.Las mujeres del cuadro portan la vanda de la orden de María Luisa mientras que los varones portan la de Carlos III.En este cuadro la luz extrae personajes de la oscuridad del fondo,el cuadro presenta una riqueza de tonalidades cálidas y de adornos lujosos (bandas,condecoraciones).Goya hace un estudio psicológico de los personajes sin ocultar los feo.

LA INMACULADA

Este cuadro del Barroco español pertenece a Murillo y esta fechado en 1678,se conserva en el museo del prado en Madrid.En España destacaron la realización de diversas inmaculadas como las realizadas por Ribera,Zurbaran o Velazquez.La inmaculada de Murillo siguió las normas iconográficas dictadas por Pacheco.La inmaculada aparece en el centro de la composicion,viste una tunica blanca (simbolo de pureza) y manto azul(simbolo de eternidad) el rostro adolescente destaca tanto por su belleza como por sus grandes ojos que miran hacia arriba.La figura muestra una linea ondulan te que se remarca con las manos juntas a la altura del pecho pero desplazadas hacia la izquierda.Los querubines que forman la peana portan los atributos marianos:las azucenas como símbolo de pureza,las rosas de amor ,la rama de olivo como símbolo de paz y la palma representando el martirio.Los ángeles que difuminan con el fondo y aportan mayor dinamismo a la composición creando una serie de diagonales paralelas con el manto de la virgen,la situación atmosférica y la rápida pincelada son características de esta etapa.En este cuadro se definen claramente los contornos.La virgen se encuentra pisando la luna que simboliza a la religión musulmana mostrando como única religión a la cristiana.Otros cuadros de Murillo son Los niños de la concha ,El sueño de Patricio,La sagrada familia del pajarillo o Niños comiendo uvas y melón.Murillo tuvo mucho éxito con sus mentas pero fue muy desgraciado en la vida.

LA RENDICION DE BREDA

Para en salón de reinos del buen retiro en Madrid Velazquez pinta en 1625 La rendición de Breda.En este oleo sobre lienzo se muestra un episodio de guerra con los Países Bajos ocurrido en 1625,tras un año de lucha de las tropas españolas la ciudad holandesa de Breda callo rendida,su gobernador Agustino de Nasau entrega las llaves de la ciudad al general vencedor ,Ambrosio de Espinola,este levanta al vencido para evitar una humillacion del derrotado.Velazquez organiza el espacio pictorico mediante la composicion,que se organiza de la siguiente manera:en el centro de la composicion esta la llave y los generales,a la derecha se encuentran las tropas españolas tras el caballo en escorzo representados como hombres experimentados con sus picas ascendentes y todas las figuras parecen retratos.A la izquierda se representan a los holandeses como hombres jovenes e inexpertos cuyo grupo cierra el otro caballo con la mirada hacia el frente.Al fondo aparecen las humaredas de la batalla,un ejercito de las tropas vencedoras y una perspectiva de la zona de Breda.La composicion esta estructurada atraves de dos rectangulos,uno para las figuras y otro para el paisaje los hombres se articulan ataves de dos diagonales que se cruzan en el primer rectangulo cerrando dicho rectangulo con los caballos de los generales.Hay ademas perspectiva aerea que difumina los contornos de los elementos que se van alejando ya que cuanto mas lejos se encuentren los elementos mayor sera la capa de aire y esto difumina los contornos.La tecnica pintorica que utiliza aqui Velazquez no es siempre la misma,sino que se adapta a la calidad de los materiales que representa.Las lanzas dan la sensacion de mayor numero de personas en la composicion al al igual que en cuadros como en La Batalla de San Romano de Ucello.

LA FRAGUA DE VULCANO

Este oleo sobre lienzo perteneciente al Barroco, es una obra de Velazquez realizada durante su estancia en Italia en 1630,este cuadro en grupo al igual que Los Borrachos o Las Ilanderas nos muestra la peculiar forma que tenia Velazquez de pintar los temas mitologicos,se la relaciona con la Túnica de José,cuadro pintado por esas fechas.Este cuadro mitológico presenta una escena de la metamorfosis de Ovidio.El tema iconográfico nos muestra la entrada de Apolo en el taller de Vulcano,quedando se los demás personajes sorprendidos por la entrada de este.Apolo (con una corona de laurel) le cuenta a Vulcano que su esposa Venus le esta siendo infiel con Marte,este también es el motivo por el que los personajes están con las bocas abiertas y los ojos mostrando sorpresa.La escena esta cargada de teatralidad ya que el movimiento detenido.Velazquez organiza el espacio pictórico mediante la distribución de los elementos en el cuadro,la composición la crea con la perspectiva aérea que da la profundidad difuminando los contornos de los elementos que se van alejando.Para la composición del cuadro también coloca una pilastra que le da perspectiva al cuadro ,además el fondo se oscurece pero deja arriba a la izquierda una fondo azulado que también aporta profundidad.Este cuadro presenta color sobre dibujo y la luz de influencia veneciana en concreto de Tiziano(al igual que las pieles de los personajes)proviene de un foco exterior que ilumina a los elementos con la intensidad que el autor le quiera dar a cada uno.A partir de este cuadro la pintura de Velazquez no va a ser la misma.

SAN HUGO EN EL REFECTORIO

Este oleo sobre lienzo pertenece a Zurbaran(pintor del Barroco español).El tema iconográfico de este cuadro en el que aparecen 7 cartujos entre ellos el fundador San Bruno es el sueño estático que sufren los cartujos al estar a punto de comer carne en cuaresma y cuando despiertan San Hugo les dice que es cuaresma
la carne se vuelve ceniza ya que despiertan el miércoles de ceniza.En este cuadro hay color sobre dibujo, Zurbaran concibe la composición mediante la distribución de los elementos en el cuadro y nos sitúa en una naturaleza muerta,la verticalidad de los personajes del cuadro están cortados por la mesa en forma de L.Sobre esta mesa hay un mantel que casi llega al suelo y coloca elementos sobre la mesa con la intención de darle mayor espacio pictórico al cuadro y de crear mayores contrastes.La luz ilumina lo que al pintor le interesa resaltar.La inclinación del obispo y la forma de L de la masa rompen con la rigidez de la compasión.En el centro de la composición encima de los cartujos sitúa un cuadro que le da mayor profundidad al cuadro ya que contiene en su composición la perspectiva aérea en la que los elementos se van difuminando conforme se van alejando ya que la concentración el aire es mayor,también nos coloca en la composición un vano del que solo vemos la mitad que también aporta profundidad al cuadro.En el cuadro predominan los colores fríos , terrosos y blancos (muy característico de Zurbaran).Su estilo se mantuvo practica mente invariable desarrollando el naturalismo tenebrista para crear escenas cargadas de verosimilitud en la que los Santos se presentan ante el espectador de la manera mas realista,por esta razón zurbaran es el pintor de los habitos,esta inmovilidad fue el secreto de su éxito.La pintura de Zurbaran se vio afectada por la pintura de Murillo que creo un nuevo gusto que hizo fracasar la pintura de Zurbaran.Otras obras de este pintor son San Pedro Nolasco o un retrato como el de Santa Casilda.

MARTIRIO DE SAN FELIPE

Esta obra pertenece a José de Ribera,fue hecha en 1639 aproximadamente.Es un oleo sobre lienzo y en el destacan los colores mas bien fríos que cálidos.En esta obra Ribera representa la preparación de un martirio.La atención se centra en el esfuerzo de los verdugos de izar el cuerpo de Felipe.Ribera concibe el espacio pictórico mediante posición de los personajes y los elementos en el cuadro y mediante exajerados escorzos.La composición de la escena esta realizada geometricamente,sobre lineas verticales y diagonales.La luz proviene de un foco y es dirigida por el pintor en las zonas que mas le interesan.La luz ilumina el rostro del santo revelando el sufrimiento y la resignacion,los contrastes de luz y sombra incrementan el dramatismo.En este cuadro Ribera deja de lado el tenebrimo que le caracteriza por influencia de caravaggio ya que hay mas iluminacion en el cuadro.A la derecha un grupo de personas comentan la escena y a la izquierda las personas están ajenas a lo que sucede.En la izquierda una mujer que sostiene a un niño en brazos nos mira.Los colores son terrosos y las pieles nacaradas de influencia veneciana.El santo tiene una magnifica anatomía.
Esta pintura fue encargada por Felipe IV que quiso tener a su patrón.

LA RONDA DE NOCHE

Esta es una obra de Rembrant esta pintada con oleo sobre un gran lienzo.Se trata de un retrato colectivo que integraban la compañia de arcabuceros de Amsterdam,al mando del capitan Cocq,la obra recoge el momento preciso en que el capitan indica a su lugarteniente que de orden de iniciar la marcha.En este cuadro no sigue rigurosamente una disposicion de las figuras segun la jerarquia de las mismas,sino que parece que los personajes estan posando para un retrato,se mueven con bastante libertad,los personajes actuan por iniciativa propia.El espacio pictorico lo consigue mediante dos figuras que se encuentran en el centro trazando dos lineas verticales ,con esto consigue darle estabilidad al cuadro.La luz proviene de la izquierda iluminando selectivamente a unos y dejando en la penumbra a otros.Uno de los personajes mas iluminados es la niña que esta a la izquierda que lleva un gallo en la cintura,parece que es ella la que irradia la luz dorada.En segundo plano aparecen tres personajes de un sentido simbolico,representan las tres fases del uso del mosqueton.Este cuadro da sensacion de ruido,ya que nos podemos imaginar a los mosquetones que se disparan,el sonnido de la masa de gente ,los tambores,un perro ladrando.....Las lanzas nos da la sensacion y nos indican de que hay mayor cantidad de personajes de los que podemos ver.Ademas este cuadro representa el momento en que el artista reivindica su propia libertad creativa sin someterse a normas.

Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp

Esta obra pertenece a Rembrant(pintor neerlandés),fue pintado en 1632 para un encargo que le pidió el dr.Tulp.Es un oleo sobre lienzo.Se trata de su primer retrato colectivo.En el retrato los personajes aparecen realizando lo que para ellos es una actividad habitual.Los personajes muestran gran interés por la lección del dortor Tulp,excepto dos que invitan al espectador a entrar a la escena mirandole.Rembrandt tiene una pincelada aspera a base de color y luz.Para crear el espacio pictórico Rembrandt distribuye los elementos representados al igual que los elementos arquitectónicos.Hay gran contraste de claroscuro,esta es una de las características principales de Rembrandt, a la manera tenebrista de Caravaggio.La luz es aplicada en las zonas que al autor le interesan resaltar mediante un foco de luz en contraste con un fondo oscuro.Hay comunicacion entre los personajes,los colores son luminosos y amarillentos.

Las Tres Gracias

Esta obra pertenece a Rubens (pintor de Flandes),la acabo en 1639,es un oleo sobre tabla.Esta obra es de tema mitológico,en este cuadro se representa en el exterior.Rafael ya pinto este tema mitológico pero no de la misma manera,en el cuadro de Rafael tienen un tipo de belleza ideal,mientras que el de Rubens tiene un tema mas sensual.Las gracias son la representacion de la afavilidad,la simpatía y la delicadeza.Las tres Gracias conservan su estilo clásico:desnudas y reunidas,pero cambia la conexion entre las figuras que crean un vinculo uniendo los brazos,apoyando se una en la otro,el velo transparente que las cubre y las miradas con las que establecen comunicacion.Las tres Gracias forman un triángulo.Rubens también caracteriza a las gracias por sus pieles flácidas y nacaradas.Estas pieles nacaradas irradian luz al resto de la obra.El espacio pictórico lo consigue mediante las posición de los elementos en el cuadro,hay perspectiva aérea ya que lo que se ve como fondo del cuadro va perdiendo el contorno y volviéndose mas azulado conforme se van alejando los elementos que forman el paisaje.Los colores son colores cálidos,brillante y luminosos el fondo esta formado por un paisaje en el que hay animales pastando.Las tres Gracias están enmarcadas por un árbol a la izquierda que tiene sobre una rama un paño que da la sensacion de ser fino.A la derecha hay una cornucopia dorada que hecha agua y sostiene con el arbol una guirnalda de flores que hay sobre la cabeza de las Gracias.
Esta obra fue adquirida por el Rey Felipe IV.

Rapto de las hijas de Leuzipo

Esta obra del pintor flamenco Rubens es El rapto de las hijas de Leuzipo hejecutado en 1616,es oleo sobre lienzo y tiene color sobre dibujo.Es un cuadro que representa un tema mitologico en un momento culminante.Ruber ademas de pintor fue diplomatico lo que le permitio conocer infinidad de obras.Rubens nos presenta el espacio pictorico mediante la distribucion de los elementos en el cuadro,la composion del cuadro esta formada por dos diagonales que se cruzan.Una diagonal esta formada por el jimete y su caballo y las dos hijas de Leucipo,la segunda diagonal esta formana por el caballo que tiene las patas delanteras levantadas y la hija del medio del cuadro.Tambien hay perspectiva aerea,ya que vemos como se van difuminando los contornos de los elementos dejanos (montañas).La composicion esta al aire libre,donde hay mas luz,las pieles de las hijas de Luecipo son pieles nacaradas,esto es de influencia de la pintura veneciana (Tiziano,Carrasi) y es el resultado de la mezcla de los 3 colores primarios ,estas pieles contrastan con los colores tostados de las pieles de los grerreros que las raptan.Es un cuadro que representa un tema mitologico en un momento culminante.En este cuadro predominan los colores calidos.El paño rojo es el elemento de union entro los distintos personajes,y le da mas sensacion de movimiento.En este cuadro hay mucha comunicacion entre los personajes y movimiento.Rubens demuestra en este y en otros tantos cuadros su interes por las tonalidades calidas,el movimiento y el dramatismo.

Esta cuadro es la Crucifixión de San Pedro del autor del Barroco italiano Caravaggio.pertenece a 1601 y se encuentra en la capilla Carasi de Santa Mª del Popolo,este cuadro se encuentra a la derecha de la conversión de San Pablo.Es un cuadro de su segunda estapa,de su etapa de naturalismo tenebrista,que se basa en los intensos contrastes entre luz y sombra.Es un oleo sobre lienzo que representa el momento culminante en el que San Pedro va a ser cruxificado boca abajo como el había dicho.
La composición del cuadro es en diagonal,y esta formado por cuatro personajes incluido San Pedro que tiene cara de estar asustado.La profundidad del cuadro nos la da el contraste entre luz y sombras ya que el fondo no es del todo oscuro,se notan zonas poco iluminadas que nos dan la sensacion de profundidad, al igual que las figuras y elementos colocados en distintos términos.Caravaggio nos muestra la luz donde el quiere resaltarla para mayor atención del espectador en ese punto.Los colores son terrosos,ocres.Y el punto de vista esta alto.

Los jugadores de cartas ,esta obra de Caravaggio data de 1595 aproximadamente,pertenece al barroco italiano.Esta cuadro es de la primera etapa de Caravaggio en donde pretende reflejar un instante de la vida real,picaresca y mundana.El cuadro es naturalista,caracteristica que inicia Caravaggio.Es un cuadro pequeño,de medias figuras.La composicion del cuadro esta formada por tres personajes uno en primer termino,delante de una mesa y los otro dos en segundo termino uno detras del otro.La mesa , la superposicion de los personajes y la luz que ilumina la parte derecha de la pared del cuadro nos da el espacio pictorico.El punto de vista esta alto,tambien hay perspectiva lineal que nos la da el objeto cuadrado que hay sobre la mesa a la izquierda.La luz nos muestra lo que el autor nos quiere resaltar.Los colores son colores ocres ;en el cuadro tambien hay comunicacion.

Esta obra es Apolo y Dafne,un escultura barroca perteneciente a Bernini del primer tercio del siglo XVIII y se encuentra en la galería Borghese.Esta escultura de bulto redondo representa un momento culminante; la metamorfosis que cita Ovidio, el mito de Dafne que en griego significa laurel,Apolo es afectado por una flecha de Eros,esto le provoca enamorarse locamente de Dafne,pero Dafne fue fue castigada por los dioses ,de tal manera que si Apolo la tocase se convertiria en laurel.Bernini,escultor manierista, fue un estudioso de la escultura helenística.Como vemos hay contrastes de claroscuro que da mayor volumen a la escultura,tanto en los pliegues como en las pieles y pelos.Hay mucho movimiento,Bernini a empleado en Dafne la linea serpentinata .Esta obra tiene una anatomía muy conseguida y unas pieles lisas(pulidas).Dafne tiene la boca abierta para dar mayor sensacion de realismo y de expresividad.La escultura a sido realizada con pincel y trepano para las zonas mas profundas como el pelo.Otras obras de Bernini son El rapto de Proserpina,David,Eneas y Anquises, Neptuno y Tritón y su obra mas famosa,El éxtasis de Santa Teresa.

Esta obra arquitectónica es la iglesia de San Carlos de las cuatro fuentes(Roma) ,concevida por Borronini esta obra pertenece al Barroco italiano.Esta iglesia tiene planta ovalada al igual que la cúpula,en la fachada utiliza formas cóncavas y convexas,funde los elementos arquitectónicos con la escultura,coloca multitud de elementos que no permiten que el ojo descanse mientras se observa el edificio,utiliza la perspectiva para reducir el espacio en vez de engrandecerlo y utiliza diferentes formas como la elipse, la curva, la contra curva y la elipse.La fachada se organiza en dos plantas:en la primera vemos 4 columnas corintias que arrancas de un podio,entre ellas se forman 3 calles que se cortan por la mitad por una cornisa,en la parte inferior hay columnas mas chicas,su función es la de provocar mayor sensacion de altura,también hay 2 vanos elípticos.La parte superior esta formada por 3 hornacinas con esculturas en su interior.La segunda planta arranca desde un entablamento con arquitrave ,friso y cornisa;4 columnas corintias que arrancan desde un podio y que culminan en un entablamento culminado con un frontón curvo,entre las columnas se hayan 3 calles en las que hay 2 hornacinas con columnas a sus laterales;en los laterales,encina de estas hay un escudo y en la calle del medio una ventana adintelada,sobre esta hay 2 ángeles que sostienen un gran escudo elíptico.La cúpula de esta iglesia es elíptica y la parte central tiene un vano por donde entra luz y en cada lateral otro vano,de esta manera consigue dinamismo y un intenso claroscuro.Además la cúpula esta decorada con casetones octogonales de distintos tamaños y cruces griegas.
Borronini en esta obra,una de las mejores obras arquitectónicas,demuestra su gran ingenio ubicando a su antojo los elementos arquitectonicos.
Hay autores que piensan que Borronini vio dibujos del templo Petra en Jordania y que esto le ayudo a concevir su obra.